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La Maquina Blanda

Quizá Soft Machine junto a Caravan forman parte de la más primitiva forma de rock progresivo. Canterbury ( Reino Unido ), ciudad de alrededor de 34.000 habitantes, famosa por su catedral gótica sede de la iglesia anglicana y rica en una arquitectura basada en castillos del medioevo, es el escenario de esta original corriente de rock, movimiento que sirvió como soporte para varias bandas asociadas a la literatura, el arte, el jazz y las organizaciones de tendencia contestataria de la época, recordemos que fue un periodo lleno de revoluciones políticas y sociales. (1957) En este clima, un prematuro intelectual Robert Wyatt se reúne con unos amigos de la primaria dando forma a los primeros esboces de lo que sería The Wide Flowers, agrupación y pilar de este árbol genealógico. Definiendo un poco las características de los canterburianos podríamos decir que su base musical abarcó el jazz y la improvisación con melodías del raigambre Británico, con una carga de humor en líricas y títulos de los discos y el uso generalizado del órgano Buzz, parte del sello auditivo de casi todas las agrupaciones. Robert Wyatt aloja a Deavid Allen, un huésped australiano, en la casa perteneciente a sus padres en Wellistone House. Allen, músico y poeta , luego de su conflictiva estadía en la casa es acusado de influenciar al joven Robert al suicidio, regresa a Londres donde forma la banda Deavid Allen Trío junto a Hugh y Mike; para entonces Robert Wyatt había convertido su casa en un antro de músicos y artistas de toda gama y fauna. (1963) Allen regresa a París entonces Wyatt, Mike, Hugh, Brian más Richard Siclair guitarrista acoplan a Kevin Ayers como vocalista conformando la banda The Wilde Flower lejanos un poco de lo que sería el sonido del estilo Canterbury teniendo algunos matices de evidentes Rhythm and blues y apareciendo los primeros signos del amor por el jazz. Al cabo de un tiempo, y de que entrarán y salieran integrantes algunos, de ellos dieron forma a la que sería más tarde la banda Caravan. Por otro lado, Wyatt, Allen, Ratledge y Ayers son la primera formación de Soft Machine, que por entonces no se preocupó de grabar sino de tocar, siendo una de las bandas más populares en la escena de la psicodelia sitial que compartía con Pink Floyd de Sid Barret. Los Soft participan en festivales de Avant Garde, más tarde Allen no puede entrar a Inglaterra Soft Machine; siendo ahora un trío se van de gira a EE.UU. formando parte de la gira de Jimmi Hendrix Experience durante la gira se les acopla Andy Summers (guitarra de The Police). Después de esta gira, Soft Machine graba su primer álbum homónimo y como en toda agrupación las diferencias comienzan a ser patentes dentro del grupo, algunos integrantes desertan y otros se integran ésta sería la tónica de la mayoría de los grupos del movimiento Canterburiano; “Hatfield & The North”, National Health, Matching Mole y Gilgamesh. Tanto Wyatt en la batería y voz como Siclair en guitarra compusieron una extensa cantidad de obras, esa misma inquietud, que los llevó a formar varios grupos y discos solistas. Otras agrupaciones, no necesariamente originarias de esta ciudad, también formaron parte de esta tendencia abrumadora e inspiradora. Daevid Allen, por ejemplo, nómade por naturaleza, asiduo a algunos circuitos, se contacta con gente como William Burroughs y Terry Riley. Deambuló por muchas ciudades hasta que en Francia consolidó la gran agrupación Gong, con la chifladura de que venían del planeta del mismo nombre crearon esta atmósfera de sicodelia y rock interestelar con Allen al liderazgo, particularmente me parece la mejor alineación que tuvo Gong. Inglaterra hace muchos años que progresa en este sentido, de cierta forma, estos músicos que cuentan historias fabulosas en sus canciones y fantasean con melodías de histórica jerarquía como si sus reyes , sus brujas, sus caballeros, sus cruzadas etc. hayan sido la base para formular una visión y una forma lisergica de ver el mundo en esta época de conflictiva guerra fría. Generaciones de grupos y tendencias diversas, tanto en la vanguardia como en el pop, nacieron del Reino Unido no así en otros países del mundo. El rock sudaca, por ejemplo, no tiene muchos exponentes ni mucho de donde aferrarse, sólo las apariciones de grupos folklóricos: Inti-Illimani, Illapu, Quilapayún, Ortiga. Paralelos a las voces ya extintas de Violeta Parra y Víctor Jara conforman en este frente de música por decirlo así de un folk-étnico sin involucrarse mucho con el rock pero popularizando y fusionando el sonido de pueblos nativos haciéndolo más reconocible y cercano a los oídos urbano. El caso de Inti -Illimani que usó instrumentos provenientes de tendencias jazzísticas (bajo eléctrico, saxo, xilófono, etc.). Los fenómenos mundiales de los sesentas entre ellos la revolución cubana, el ícono Beatles, el asesinato de Kennedy, la pastilla anticonceptiva, Vietnam, etc. Repercutieron de tal forma en los jóvenes sudacas excitados por esa libertad próxima encontrada en la música que, a mediados de 1968 y basándose en el sonido del folclor aliado con rock progresivo, el grupo criollo Los Jaivas materializan experimentando con trutrucas, cultrunes, kenas, tarkas, guitarras eléctricas, bajo y batería, la peculiar fusión de instrumentos con su himno todos juntos del álbum del mismo nombre y emprenden una carrera con formidables trabajos como Las Alturas de Machu Picchu (basado en la obra Pablo Neruda).Los Jaivas estuvieron influenciados con rasgos muy cercanos a la banda británica Génesis y a los canadienses Rush, pero ellos no estuvieron solos, los acompañaron Los Blops, Agua Turbia, Los Beats 5, Los Vidrios Quebrados, y Congreso en particular que se salió un poco del sello hippie de los demás creando álbunes conceptuales como El Pájaro de Arcilla. También en Buenos Aires aparecieron, aunque quizás antes, bandas: Almendra, Los Gatos, Sui Géneris, La Máquina de Hacer Pájaros, Spinetta Jade, Os Mutantes ( de Brasil), Polen ( de Perú), todos con claras influencias del rock inglés, no necesariamente de Canterbury pero sí con una identidad dentro del rock progresivo tanto aquí como en otras zonas del globo. Todas estas expresiones de rebeldía o el simple hecho de crear música respuesta a sus inquietudes, han tomado parte en el mayor proceso generativo de tendencias influenciadoras entre los sesenta y mediados de setenta, tomando en cuenta que Miles Davis ya en estos años había grabado el primer álbum de jazz-rock de que se tenga conocimiento. Soft Machine este grupo clave y seminal daría el punto de partida a esta máquina sirviendo de trampolín para la diversa variedad rítmica y poética que se puede escuchar hasta hoy en la gran gama de militantes del rock en todas sus formas y contextos. Para concluir estos cuentos de Canterbury podríamos decir que tanto los Soft como otros en su género tienen mucho que aportar, es un sonido que vale la pena escuchar y descubrir.

Por Manuel Celis

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Black Power

Jazz es ante todo improvisación, espíritu, libertad, constante evolución. El auténtico Jazz cimbra el suelo de las plantaciones de algodón y tabaco, huele a pianista de bar y alcohol clandestino, emana desde una banda de músicos que toca con cierta velocidad para silenciar un ajuste de cuentas. Es también desesperación y marginación, origen e identidad, es el black power de una plegaria. Jazz, por definición etimológica, aparentemente significa sexo en “Argot Afro americano”, (Jass); la transformación de la eses es más reciente y probablemente el marketing sea el responsable de tal cambio.

No existe una fecha que determine el comienzo del Jazz, pero sí de su primer registro grabado el 30 de enero de 1917, claro que en su estado primitivo existía hace más de 20 años. Desde 1890 es que el Jazz habitaba algunas ciudades de Norteamérica con claras influencias del spiritual, el ragtime, la música clásica del siglo XVII-XIX, el blues y los work songs. Mucho se ha dicho sobre el origen y la adjudicación de este estilo, pero ciertamente es que la raíces más profundas vienen de los esclavos procedentes de Africa, alrededor de 15 millones de ellos, la mayor parte llevados a América y un menor porcentaje a Europa. La profunda tristeza de estos africanos desarraigados de sus tradiciones y llevados a tierras desconocidas a trabajar bajo el régimen de la esclavitud dio forma a los work songs, cantos que entonaban en distintos dialectos como El Bantú, El Fon, El Yoruba, ocultando así sus lamentos en los campos de algodón para que el hombre blanco no detectara su dolor y descontento, más tarde los cantos de trabajo (work songs), se transformaron el lo que se llamaría el Blues, una de las corrientes primordiales para que el Jazz existiera.
Blues, que en inglés significa melancolía, representaba fielmente por estas voces reprimidas. Con el término de la Guerra de Secesión, parte de la población negra se mezcló con las costumbres de la raza predominante, aprendieron a tocar sus instrumentos y las canciones se interpretaron en inglés. Este fue el primer indicio de música de negros en América. Cuando hablamos de Blues, muchos se imaginan que nos referimos a Jimy Hendrix , Eric Clapton o Ray Vaugan, pero esta música es más que eso, es la esencia de una tribu obligada a perecer bajo otra cultura. Los blues man expresaban entonces el mal pasar de su vida rural, tocaban sus melodías con el banjo que rápidamente se transformó en guitarra de palo; esa es la visión que tenemos del inspirador cantante de blues que permaneció marginalmente durante muchos años, transitando con paso cadencioso por muchos pueblos: New Orleans, Oklahoma, Mississippi, Lousiana, Georgia. No se realizaron grabaciones de Blues hasta después del 1920 antes de este periodo existieron figuras muy significativas del delta del Mississippi, cuna de los Blues Man Charley Patton, Bukka Withe y Robert Johnson, este último mitificado por su supuesta vinculación al budú y la magia negra. Dicen que este músico no era un virtuoso, pero que lo fue después de una medianoche oscura como su piel donde según cuenta la leyenda pactó su alma al diablo y desde entonces adquirió una maestría y un carisma con la guitarra, sus canciones están llenas de referencias al cola de ballico. De este mito urbano, agrupaciones de los años sesenta (Rolling Stones, Cream, entre otros) hicieron versiones de sus temas; el blues no era aceptado por el público blanco, fue después de la Segunda Guerra Mundial y la incorporación de la guitarra eléctrica cuando este estilo tuvo más adeptos, esta nueva forma de hacer música se llamo Rythm and Blues, principio fundamental de Rock y todos sus derivados. El Soul, por ejemplo, es otra rama que combina los cantos religiosos de negros y el Blues.
Dentro del Jazz existen muchos subgéneros, de su origen Europeo y Africano se acerca bastante al Ragtime, música básicamente de pianola y exenta de improvisaciones, pero genealógicamente junto al Blues marcaron la pauta definitiva para el origen del Jazz. Antes del fonógrafo incluso es que estos Rag o Ragtimes muy populares por la época, se reproducían en los rollos de las pianolas, el Rag sin ser Jazz propiamente tal, dio libertad rítmica a los ejecutantes. Price Johnson, fue el máximo exponente y artífice de este proceso evolutivo desde el Ragtime al Jazz, tanto Jhonson como Scott Joplin y Al Jolson, sirvieron de trampolín para otras generaciones, pero Duke Ellington se distancia abismalmente de los rollos de pianola con la canción “Carolina Shout”, que lo consagra como un eximio compositor y ejecutante pianista jazz.

El Jazz continuó coexistiendo, junto al Blues y el Ragtime. A comienzos del siglo xx, se transformó en un sonido muy popular. New Orleáns es el escenario recurrente del primer estilo de jazz documentado: El Dixieland, estilo llamado así gracias a la banda “The Original Dixieland Jazz Band”. Este tipo de agrupaciones se conformaban por una gran cantidad de músicos e instrumentos, siendo la trompeta y la corneta su base lineal, acompañado del clarinete, el trombón, la tuba y la batería. Otras bandas importantes fueron la “New Orleáns Rhytmking” y la “Creola Jazz Band” liderada por King Oliver. La particularidad de este estilo fue la improvisación grupal , pero rápidamente algunos sobresalieron del resto, entre ellos: Buk Johnson, Sindey Bechet, Warren Dodds y Jelly Roll Morton, curiosamente Morton se había adjudicado la creación del Jazz, sin embargo por esta misma época aparece uno de los primeros virtuosos de esta corriente, me refiero a Louis Armstrong, segundo trompetista de Oliver; no solamente fue un buen trompetista, si no que además poseía una gran carga emocional e intelectual, revolucionó el Jazz, poniendo al solista en un sitial privilegiado. Lideró los “Hot-Seven” y “Los Hot-Five”, creó escuela entre los cantantes de Jazz usando la voz como un instrumento, sin emitir ni una sola palabra, creando ritmos y canciones: a esta forma de cantar se llamo “Scat”.
Por esta época los músicos iniciaron las búsquedas personales de nuevos sonidos, emigrando de sus ciudades natales se concentraron en Chicago, Kansas City y New York principalmente. En estos años locos llenos de novedades, se experimento bastante, pasando por famoso “Boggie Woogie” hasta ejecutar obras de Bela Bartok e Igor Strawinsky. Durante este periodo predominaron las Big Band, fue la era del Swing, estableciéndose entre los años 1930-1940, sin embargo el Swing se acercó de cierto modo a las orquestas de baile, su música de compases más lentos atenuaban el Jazz de New Orleáns. Dentro de las luminarias de este estilo destacan:Charlie Christian, Lionel Hampton,Ella Fitzgerald, Count Basie, Benny Gooddman y la femme fatal Billie Holliday. El Swing tuvo tanto adeptos como detractores, por supuesto que el Jazz de alcohol barato funcionaba como de costumbre tras las cortinas de la marginalidad. La crisis mundial de los años 40, afectó todo el ámbito cultural del jazz reinante, las Big Band en clara decadencia casi dejaron de existir, el gusto del publico fluyó por la senda del Bep Bop, el nuevo estilo naciente abortó radicalmente al Swing , lo tiró por la borda, acelerando los compases al máximo, llenándolo de matices frescos y solos. En estos albores vacíos de espíritu y sensibilidad, Charlie Parker (bird) endulzó con su saxo ácido a los incautos ávidos de melodías elaboradas, pues la encontraron, y con ello un estilo más cercano y familiar al de sus antecesores.
Parker con sus cercanos colaboradores y amigos: Dizzy Gillespie, Max Roach, Sara Vaughan, saldaron las cuentas pendientes. El bop, se acomodó en los años de la post-guerra como un pilar indudable del New Jazz Modern.

Los años de la depresión cambiaron el escenario de la música, emergía el “Rymth and Blues”, por otro lado, la juventud americana pasaba por un proceso de transformación, según Keruoac, el primer Hipster, se vislumbró en el seno de los años 40. Para la sociedad estos individuos no eran más que unas patotas de alcohólicos y drogadictos que deambulaban por los tugurios escuchando música endiablada (Jazz), pero lo cierto es que estos jóvenes así también llamados despectivamente “Beatnik” y más tarde “Beat”, realzaron la música y su desarrollo llevándola a un sentido más auditivo que bailable y el “Bep Bop” fue su emblema. Keruoac también realizó trabajos musicales siendo menos conocidos que los literarios, él junto a sus amigos Alan Gisberg, Lucien Carr y Gregory Corso, marcaron el protagonismo de la “Beat Generation”, muy cercana al existencialismo francés, pero con claras diferencias de época. Ginsberg la consagró con la lectura del “Aullido” en el Six Gallery de San Francisco (1955). Los Beatnik tomaron un estilo propio y un lenguaje particular, adoptando jergas de los ghetos negros, la más conocida y usada hasta hoy, es cool, que a la chilensis se traduciría como Bacan. En los años 50 los Jóvenes comenzaron a ser más independientes y osados mientras algunos escuchan Rock and Roll y andan en Cadillac, otros en cambio se interesan por la poesía, la música de vanguardia (Jazz primordialmente), la pintura y otras corrientes. En estas condiciones culturales el joven trompetista Miles Davis, a quien años antes reclutara Parker, se convirtió en uno de los creadores notables que habitaron esos años y los venideros.

Avant Garde
John Coltrane puede que sea el único junto Miles Davis que se disputen ser los músicos más influyentes dentro de los últimos cuarenta años, aunque la obra de Trane no sea del todo popular y más bien radical, demostrado principalmente en su periodo de los sesentas. Abandonó todas las pautas de Morden Jazz y se sumergió en una búsqueda intensa de sonidos y matices tonales, algunos muy armónicos y suaves, hasta los más desenfrenados y desgarradores sonidos que evaporaba su adicción a la heroína. A diferencia de Miles Davis, Trane provenía de una familia humilde, comenzó a tocar saxo en su adolescencia, estudio música en Philadelphia, tempranamente descubrió el Bep-Bop, admiraba profundamente a Charlie Parker. Este Músico principiante aprendió a tocar saxo barítono apareciendo en alguna que otra banda. En 1949, ya con el saxo barítono en los labios, se incorpora a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, aquí evoluciona dentro del Bop durante un año. En el transcurso de los años cincuenta toca con varios músicos, hasta que en 1955 se contacta con Miles y su quinteto. Trane por entonces ya evidenciaba grandes progresos. Participa en el disco “A Round Midnight’’, en septiembre del 56, pero la adicción de Coltrane se agudiza, esto crea conflicto entre sus compañeros. Miles lo despide de una gran patada, que literalmente presenció Telonius Monk, Trane aprovecha el lapso para desintoxicarse de la heroína y el alcohol. Cuando vuelve, Monk lo contrata en su banda, toca con él un tiempo hasta que se independiza y forma su propia banda, despega con el disco “Giant steps”, luego vendría “My Favorites Thing” y el notable “A love Supreme” , con este álbum retrata su búsqueda espiritual y religiosa, características que marcarían el curso de los siguientes discos, “Meditation” y “Om”. El oriente fue tan inspirador para Trane, que constantemente busco refugio en esas culturas, especialmente la Africana, graficándolo en los discos “Africa Brass” y “Kulu Se Mama”, donde se puede apreciar, también en el flamenco con “Ole” y en la música Hindú con “Aisha”. John Coltrane es el más fiel exponente del Avant Garde, movimiento que propone la libertad absoluta; este saxofonista capturó la histeria de los tiempos y a su vez tuvo el rechazo de la vieja guardia, participe del Free Jazz junto a Ornette Colleman consolidaron la vanguardia y el respeto de algunos sectores conservadores. El periodo de los sesenta, que fueron muy productivos para Trane y su clásica banda, que por otra parte parecía una real banda, sus integrantes tenían más de alguna deuda con la sociedad. Trane drogadicto, Elvin Jones traficante de estupefacientes, McCoy Tyner y Jimmy Garrison con arrestos a su haber. El sello “Impulse” registró todos estos álbumes y grabaciones en vivo, a mediados del 1967, Jhon Coltrane muere a causa de una infección hepática producto del alcohol, privándole de su sueño de conocer Africa. Después de la muerte de Trane se forma la Iglesia Ortodoxa Africana llamada “San Juan”, en la cual habitualmente se ofrece hoy en la liturgia, la música de este saxofonista, además de favorecer a las personas con obras sociales y clases de música.

Jazz Modal
Miles Davis creador del “Cool Jazz” o también llamado de la Costa Oeste, con el disco “Birth of the Cool” (1949), inició una carrera inspiradora y productiva, se habla incluso de un decálogo entre los que se encuentra “King of the Blues”, considerado uno de los discos más importantes de la historia del Jazz (1959) y compuesto con ciertas influencias de Ravel y Rachmaninoff. Transitó por todos los estilos, desde el Jazz Rock, el Funk jazz, el Jazz fusión, el Hard Bop, el Bep Bop e incluso el Acid Jazz. Miles Davis nunca se interesó por los movimiento extremos como el Avant Garde y el Free Jazz, sin embargo dejó un sin numero de estilos esparcidos a través de los años. Su acercamiento al jazz eléctrico, lo llevo a incorporar músicos cada vez más cercanos al Rock, los primeros indicios de este interés se pueden notar en el disco “Files in Kilimangaro” y luego en “In a Silent Way”, Miles Davis tenía una sorprendente vitalidad creativa, llevándolo a incursionar en el area de la pintura, sin contar que a su haber tiene la no despreciable suma de 200 discos grabados, incluyendo las Jam session. De no ser por la tercera revolución del Jazz a cargo del iluminado trompetista, tal vez el Jazz Rock o Fusión se hubiera adormecido. A él le pertenece la creación del primer disco de este estilo, el cuádruple álbum “Bicthes Brew” (1969). Este álbum se grabo en el transcurso de dos años de intensas sesiones, acompañado de músicos muy jóvenes de la talla de John Mclaughlin, Chick Corea y Jack DeJohnette, quienes más tarde darían forma y curso a “Return to Forever” y “Mashavilu Orquesta”. Bicthes Brew es la piedra angular de esta generación del ácido y la sicodélia, la idea de miles era conectarse con las masas, no aceptaba que el Jazz fuera elítista, por eso es que se alimentaba de los nuevos músicos, aprovechando las ideas al máximo.
En los 70’ se entusiasmo con el fresco sonido del funky, a cargo de James Brown, favoreció siempre a la música negra como una subcultura que habitaba en América, simpatizó con las causas revolucionarias y los movimientos anti-guerra. Miles Davis fue rabiosamente creador. En alguna oportunidad dijo: “No pasa un día sin que esta discriminación me vuelva loco de rabia y como no puedo estar siempre furioso, utilizó la música para sacar mi ira”.
En 1975 Miles toma un descanso que se prolonga durante seis años. Aquejado por adicciones a las drogas y algún otro problema de salud como tumores y úlceras, silenció su trompeta para aparecer en 1981. Cuando vuelve recibió un rechazo por su alejamiento del Jazz puro y el ingreso al Jazz electrónico o Acid Jazz, por esta época adquirió influencias del Pop trabajando con músicos de la categoría de Prince, Sting, Tina Tuner etc. se ensaño con temas sociales como hostigacion de la policía y los problemas que siempre tienen los negros por todos partes, con este motivo crea el disco de 1985 “You’re Under Arrest” (estás arrestado). Entre los discos que hizo por esa época esta “Tutu”, “Aura”, “Amandla” y el póstumo “Boo Doop”. Miles no era muy sociable con el público, debe ser por su desprecio por los blancos, pero en la última etapa cambió esta percepción e interactuó en el escenario presentando a sus músicos al final de cada presentación. Cuatro décadas de desafiantes sonidos y el inconfundible toque de sordina, hizo de Miles Davis el creador más influyente del Jazz Modern, hasta nuestra época no existe parámetro que se le parezca a las susurrantes baladas y al lenguaje audaz de las emociones furiosas que salen del alma. Miles muere dejando un legado impresionante de registros, el 28 de septiembre de 1991.
Muchos siguieron su senda, desde Pat Metheny a Roxy Music y Morphine. A pesar de que el hambre por la experimentación le carcomiera los días, a Miles siempre lo sedujo la música armónica y melódica, parte fundamental del “Mainstream”, tal vez como lo fue el Louis Armstrong del pasado.

Por Manuel Celis


Rock in Opposition

De las corrientes más innovadoras y refrescantes del rock progresivo y de vanguardia, es el Rock En Oposición, RIO en sus siglas en inglés. Esta surgiría como una contrapropuesta a los monopolios de la industria musical, gestando la unión de varios grupos y compañías independientes con el objetivo principal de producir y distribuir a través de ellos mismos. Pero para hablar de esta tendencia, deberíamos partir mencionando a unos de sus principales cultores, como es el caso de Tim Hodgkinson y Fred Frith, piedrasfundamentales de ésta, que sumergidos en la experimentación total y la libertad artística dan origen a la banda Henry Cow, provenientes de la Universidad de Cambridge (1968). En los principios, y con grandes influencias del Free Jazz y el blues, se ambientó en los circuitos subterráneos componiendo una gran escala de composiciones dentro del género rock. La intensa relación de Hodgkinson y Frith con las ideologías de la extrema izquierda, los llevó a relacionarse con otros artistas de conceptos revolucionarios. Las primeras presentaciones en escenario de Henry Cow sirvieron de soporte de la banda Pink Floyd, que por entonces venía construyendo toda su máquina de bluespsicodelia. En esta etapa desfilaron varios intengrantes, hasta que en 1972 se les une Chris Cutler, otro músico que venía relacionandose con ellos dentro de la experimentación en la asociación musical «The Otawa Music Composers». En este barco sin timón de la música, se integra el saxofonista Geoff Leigh. Por fin, en 1973, el sello por entonces independiente Virgin, los contrata para producir su primer LP que se llamaría Legend, influyendo para este efecto y tomando en cuenta cuando la banda participó en la presentación de Tubular Bells, de Mike Oldfield, en el Queen Elizabeth Hall. La banda, dando rasgos evidenciales y similares a la escuela de Canterbury, (iniciada por el grupo Soft Machine,que por entonces con su primer disco teloneó a Jimy Hendrix Experience, Soft Machine significa máquina blanda rescatando ese nombre de un libro de William Burroughs, perteneciente al movimiento literario de la llamada generación Beath. Pero eso es harina de otrocostal). Cow, con la fusión de diferentes tendencias como la música clásica, en su fase de cámara, la electrónica y del jazz, crean este disco, que como bandera de improvisación en sus presentaciones en vivo, da una muestra ambientada de la buena ejecución y melodias altamente creativas. Henry Cow, de aqui en adelante, participaría en diferentes colaboraciones con otras bandas, tanto como sus integrantes. Este es el caso del disco Esquimo, en el que intervinen aportando toda esa experiencia sobre las nuevas teorías de la música, disco singular donde se aprecian las costumbres de la vida esquimal, uno de los discos más densos de la banda conceptual The Resident.

Bueno, toda esta corriente que se basó, como dije en principio, como una forma de protestar en contra de la industria, que con sus migajas limitaba la expresión, dejando todo a un manejo casi exclusivo de la explotación sobre los músicos y sus bandas. Chris Cutler, percusionista de Henry Cow, más tarde escribiría un libro ( File Under Popular), que hace la relación sobre la cultura rock y el medio, afirma: «Vivió poco, pero obviamente tuvo un efecto que trascendió los festivales que organizamos. El término permaneció, y muchos grupos se identificaron a sí mismos con esa área de trabajo llamada Rock en Oposición”». Otras bandas que elevaron sus sonidos en forma de libertad desenfrenada en la RIO fueron, Stormy Six, Etron Fou Leloublan, Samla Mammas Manna, Univers Zero. Creo, sin ir más lejos, que este movimiento es una de las formas más sinceras y comprometidas de construir el arte del sonido.

Después de Legend, vinieron varios discos en estudio y otros en vivo. Hasta que la banda derivaría en la agrupación llamada Arts Bears.Los músicos como Frith y Cutler, respectivamente, en sus extensas carreras como solistas han dejado a su haber una gran cantidad de albums, participando en muchos proyectos: Material, Cassiber, Golden Palominos, por nombrar algunos. Alrededor de Septiembre de 1996 Cutler + Frith dieron un concierto en Chile realizado en el Centro de Extensión UC; dentro de ese ambiente universitario, y para sorpresa de muchos, el concierto fué basado en la improvisación, prometiendo más presentaciones que nunca concretaron. Rock en Opocisión generó una nueva actitud frente a la forma de crear música haciéndola más expedita en su difusión, aunque suene irisorio puesto que este medio estuvo precedido por los sellos independientes, que en definitiva, igual que los otros, lucraron, pero eso no quita ni pone, puesto este movimiento en su naturaleza fué revolucionario y a veces sólo basta con eso.

Por Manuel Celis